Pour les pros
ERD ET STAGE
Danseur.euse.s profesionnel.le.s uniquement.
Inscription obligatoire et sur CV auprès de Pauline Tessier Talon
Espace de perfectionnement, d’expérimentation et de découverte, l’entraînement du lundi (ERD), permet de préserver et d’approfondir les acquis, de diversifier les expériences et les connaissances, tout en explorant de nouvelles approches et univers artistiques.
En partenariat avec le SEPT CENT QUATRE VINGT TROIS/CIE 29.27.
Parce que la danse est un acte social, politique et sensible, les deux premiers rendez-vous de Mettre en commun s’inscrivent dans une dynamique de réflexion citoyenne et démocratique.
Pensées comme des temps de travail et de partage, ces matinées s’adressent à celles et ceux – chorégraphes, danseur·euse·s, artistes, médiateur·rice·s, pédagogues, acteur·rice·s culturels – qui souhaitent enrichir leur boîte à outils en construisant des discours communs pour mieux faire connaitre, valoriser et défendre nos métiers.
WITHIN PRACTICE
WITHIN PRACTICE — UN RENDEZ-VOUS DÉDIÉ AUX PRATIQUES DE DANSE CONTEMPORAINE
Du 10 au 15 novembre, Within Practice s’installe pour la première fois en France, à Angers et Nantes. Créé en 2016 à Stockholm par le chorégraphe Björn Säfsten, ce programme dédié aux pratiques de la danse contemporaine invite les danseur·euse·s confirmé·e·s et en voie de professionnalisation à expérimenter, explorer et dialoguer directement avec des chorégraphes de renommée internationale. Cette édition ligérienne réunit Stina Nyberg, Nathalie Pubellier, Björn Säfsten et Alesandra Seutin, en dialogue avec Léa Vinette et Wanjiru Kamuyu, artistes associées au Cndc – Angers et au CCNN. Chaque jour, les participant·e·s pourront prendre part aux morning classes, animées par Ido Batash, Vincent Blanc, Lise Fassier et Wanjiru Kamuyu, puis s’engager dans une série de workshops de trois après-midi avec l’un·e des artistes invité·e·s. Within Practice se conclura par des rendez-vous gratuits et ouverts à toutes et tous sur réservation : les practice presentations du vendredi et du samedi soir, ainsi qu’une table ronde le samedi après-midi. Ces rencontres se dérouleront du lundi au vendredi au Quai – Angers, et le samedi au CCNN.
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Avec le soutien de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Né de l’alliance de cinq institutions culturelles du spectacle vivant – le Cndc et le Quai CDN à Angers, le Lieu Unique, Mixt, et le CCNN à Nantes – Solstice mutualise les ressources, soutient les résidences croisées, la coproduction et la circulation des œuvres et des artistes. Il renforce la visibilité des compagnies, notamment ligériennes, et favorise les échanges avec les partenaires européens, en particulier en Belgique et en Suède.
Noé Soulier
Le travail de Noé Soulier explore la chorégraphie et la danse à travers des dispositifs multiples incluant la scène, l’espace du musée et la réflexion théorique. Il développe ainsi une pratique à la fois conceptuelle et profondément ancrée dans le mouvement, à l’image de sa formation qui mêle danse (Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris, École nationale du Ballet au Canada, P.A.R.T.S) et théorie (Master en philosophie à l’université Paris Sorbonne).
Ses pièces chorégraphiques Faits et Gestes (2016), Les Vagues (2018), First Memory (2022) ou Clocks & Clouds (2023) tentent d’activer la mémoire corporelle des spectateur·ices grâce à des mouvements qui visent des objets ou des évènements absents, et suggèrent ainsi plus qu’ils ne montrent. Le film Fragments (2022) poursuit cette recherche sur la dimension fragmentaire de l’expérience du corps en la confrontant au cadre de la caméra. Avec Passages (2020), projet in situ, cette exploration se déploie en mettant en résonance le mouvement des corps et les espaces et architectures dans lesquels ils évoluent.
L’exposition chorégraphiée Performing Art (2017), créée au Centre Pompidou puis au MUCEM, renverse la position habituelle de la danse dans le musée en déplaçant l’exposition sur scène, transformant les accrocheurs en performeurs et l’installation des collections en chorégraphie. Dans des projets comme le livre Actions, mouvements et gestes (2016) et la performance Mouvement sur Mouvement (2013), il analyse différentes manières de concevoir le mouvement qui visent à démultiplier l’expérience du corps.
Joué dans le monde entier (Théâtre National de Chaillot, le Théâtre de la Ville, le Festival d’Automne à Paris, le Centre Pompidou, le Palais de Tokyo, la Biennale de la Danse de Lyon, le Festival Montpellier Danse, le MUCEM, Sadler’s Wells – Londres, Performa – New York, MOMA PS1 – New York, le Wallis Theater – Los Angeles, la Biennale de Venise, Roma Europa Festival, le Kunsten Festival des Arts – Bruxelles, le Kaaitheater Brussels, Tanz im August – Berlin, Tanzquartier Vienna et le Teatro Municipal do Porto), il a également chorégraphié pour de nombreuses compagnies : le Ballet du Rhin (D’un pays lointain, 2011), le Ballet de Lorraine (Corps de ballet, 2014), L.A. Dance Project (Second Quartet, 2017), le Ballet de l’Opéra de Lyon (Self Duet, 2021), le Nederlands Dans Theater (About Now, 2023) et la Trisha Brown Dance Company (In the Fall, 2023).
Depuis juillet 2020, il dirige le Cndc – Angers (Centre national de danse contemporaine), une institution unique dans le champ chorégraphique qui réunit un centre de création chorégraphique, une école supérieure de danse contemporaine et une programmation danse.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Wanjiru Kamuyu
Née à Nairobi et installée à Paris depuis 2007, elle débute sa carrière à New York, où elle explore la danse classique, avant de se tourner vers la danse contemporaine. Elle collabore en tant que danseuse avec de grands chorégraphes tels que Jawole Willa Jo Zollar, Robyn Orlin, Bill T. Jones, Bartabas, et Anne Collod. En tant que chorégraphe, elle s’associe à des artistes comme Bintou Dembélé et travaille avec des metteurs en scène tels que Jérôme Savary et Hassan H Kouyaté, ce dernier avec lequel elle mène des projets artistiques en faveur des réfugié•e•s. Titulaire d’un Master of Fine Arts de l’Université de Temple (États-Unis), Wanjiru Kamuyu s’investit également dans l’éducation et la formation de danseur·se·s à travers le monde — de l’Europe à l’Afrique, en passant par l’Amérique du Nord et l’Asie — notamment au sein de programmes tels que ceux de l’Alvin Ailey American Dance Theater/Fordham University et de la University of South Florida Dance in Paris.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Vincent Blanc
Originaire de Gap, Vincent Blanc rejoint l’École Supérieure de Danse de Cannes Rosella Hightower en 1993. En intégrant le Jeune Ballet International de Cannes, il travaille avec des chorégraphes tels que Monet Robier, Philippe Cohen et la compagnie Castafiore. En 1999, il intègre le Centre Chorégraphique National de Nantes pour la création de Hôtel Central de Claude Brumachon. Il y est interprète jusqu’en 2011, partageant cette esthétique avec divers publics.
Actuellement danseur et responsable pédagogique au CCNN, il partage la conception avec Ambra Senatore des formats in situ à la frontière entre diffusion artistique, pédagogie et médiation. Sa pédagogie, centrée sur l’imaginaire et la sensation, valorise l’importance de la rencontre humaine.
Parallèlement, il suit une formation à l’école française de Yoga de l’Ouest, explorant les synergies entre yoga et danse, ainsi que l’impact de l’attention au corps sensible et à la respiration dans le développement personnel et l’expression artistique.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Cet atelier vous permettra d’expérimenter la pratique principale utilisée dans les deux dernières pièces de Björn Säfsten, and so we’re gone (2023) et Haunted desires (2025). La pratique est une conjonction de méthodes qui joue avec les transformations des matériaux filmés tirés des médias sociaux. La pratique se concentre sur la réécriture, la déformation et la déconstruction des mouvements et des corps que nous rencontrons quotidiennement en faisant défiler nos téléphones. En reproduisant et en réécrivant nos propres algorithmes, la pratique offre un moyen de donner du pouvoir au spectateur lui-même et d’imaginer, par l’expérimentation physique, d’autres résultats et associations possibles. La pratique se concentre sur l’édition de matériel de plateau à travers une série d’outils qui, à la fin des trois jours, offriront un mode d’improvisation multicouche, hautement discipliné et ludique.
Pour l’atelier, vous devez apporter votre téléphone, ou l’écran portable que vous utilisez le plus, avec un accès à des vidéos de type « Reel », par exemple sur Instagram, TikTok ou similaire..
Björn Säfsten(Suède)
Björn Säfsten est un danseur, chorégraphe et programmateur basé à Stockholm, en Suède. Depuis plus de 25 ans, Björn a créé de nombreuses œuvres et des commandes pour diverses compagnies nordiques. Son travail de programmateur se manifeste au travers du festival biannuel Within Practice à Stockholm, fondé en 2018. Son travail chorégraphique s’articule autour de la notion de corps et de mouvements, fabriquant un paysage que les spectateur·ices peuvent librement interpréter. L’objectif est de défier, d’aiguiser et de créer une conscience de la façon dont l’interprétation fonctionne. Dans un langage de mouvement distinctif, spécifique, transformateur et équilibriste, les interprètes utilisent le geste de manière ambiguë et transformatrice, donnant au public de multiples références potentielles. Pour Björn Säfsten, le langage n’est jamais constant ou fonctionnel, contrairement à la façon dont il est souvent perçu, et les œuvres visent à jouer avec ces notions de manière nouvelle pour chaque pièce.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Plaçant l’écoute des perceptions sensorielles au centre de la pratique, le cours s’articule autour d’exercices visant la conscientisation des chemins traversés pour amener le·la danseur·euse vers plus de liberté. L’intégration du travail de la voix comme émanation du corps dansant participe à l’élaboration d’un corps, conscient, construit, mobile et disponible..
Nathalie Pubellier(France)
Nathalie Pubellier, chorégraphe, interprète et pédagogue, transmet à travers ces trois axes, les particularités de sa démarche. Elle impose une écriture forte, basée sur la mémoire des sensations et l’empreinte du vécu dans le corps.
Les engagements artistiques de sa carrière la mènent de l’interprétation dans de nombreuses compagnies aux concours chorégraphiques dont elle sort auréolée, ce qui conforte l’existence de sa propre compagnie.
Parallèlement investie dans le professorat depuis toujours, elle enseigne notamment au Conservatoire National Supérieur de Paris depuis 2012 et rejoint en 2017 Clairemarie Osta et Nicolas Le riche au sein de l’équipe pédagogique du LAAC.
Elle est régulièrement invitée en France et à l’étranger pour des masterclasses, des créations et des transmissions des pièces du répertoire de la compagnie.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Living in the movement
Alesandra Seutin invite les participants à partager l'expérience vécue de sa pratique du mouvement. Living in the Movement révèle, à travers le corps en mouvement et la voix en action, comment l'écoute de la perception sensorielle devient à la fois une base et un point d'entrée dynamique dans la chorégraphie.
Cette session dansée montre comment la posture, la fluidité de la colonne vertébrale et la musicalité guident l'interprète vers la présence, en enracinant le mouvement de l'intérieur vers l'extérieur. L'intégration de la voix comme extension naturelle du corps en mouvement permet au son et à l'émotion d'émerger de la sensation physique, faisant du danseur à la fois un moteur et un vaisseau vocal.
À travers cette exploration immersive et rythmique, Alesandra donne un aperçu du cœur de sa recherche : développer un corps conscient, disponible, structuré mais libre ; un corps capable de répondre pleinement à la musique, à l'espace et à l'impulsion.
Alesandra Seutin (Belgique)
Alesandra Seutin est une chorégraphe, interprète et directrice artistique dont l’approche multidisciplinaire unique mêle mouvement, texte et musique pour explorer l’identité, la mémoire et la politique du corps.
Son parcours artistique l’a menée de la scène internationale, où elle a performé dans de nombreuses productions, à la création de sa propre compagnie, Alesandra Seutin (anciennement Vocab Dance), en 2007. À travers cette structure, elle a développé un répertoire riche et varié, salué pour ses œuvres poétiques et engagées, interrogeant les notions de pouvoir, d’appartenance et de territoire.
Profondément investie dans la transmission, Alesandra Seutin a étudié au Trinity Laban Conservatoire et à la Middlesex University à Londres, avant de se former à la technique Acogny au Sénégal, sous la direction de Germaine Acogny. Aujourd’hui, elle est reconnue comme ambassadrice mondiale et enseignante de cette technique, régulièrement invitée à donner des masterclasses en Europe, en Afrique et au-delà.
Alesandra Seutin a dirigé des projets en tant que directrice artistique invitée du National Youth Dance Company du Royaume-Uni (2019–2021) et co-directrice artistique de l’École des Sables au Sénégal (2020–2024). Elle a reçu plus de 20 commandes d’institutions internationales, notamment Sadler’s Wells, le KVS à Bruxelles et le Phoenix Dance Theatre.
Elle est actuellement figure artistique du KVS à Bruxelles et artiste associée à Sadler’s Wells à Londres. En 2023, Alesandra Seutin a reçu le Golden Afro Artistic Award pour la danse et la chorégraphie en Belgique.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
L'atelier avec Stina sera centré sur le fait de se déplacer et d'être déplacé par d'autres corps. Physiquement pour sûr et peut-être émotionnellement aussi. L'atelier oscille entre rouler, grimper, soutenir, obstruer, traîner, parler, équilibrer, pousser, prendre soin, suggérer et imposer, à la recherche d'efforts conjoints dans la création de formations, de relations et de formulations.
Stina Nyberg (Suède)
Stina Nyberg est une chorégraphe et danseuse basée en Suède. Travaillant dans une variété d'expressions, elle s'engage dans la création de danses, de conversations, de rencontres, de textes, de discussions et de spectacles.
Elle tombe régulièrement amoureuse de nouveaux objets et utilise la chorégraphie comme un moyen d'en apprendre davantage sur ces nouveaux objets de désir. Parmi ses récentes histoires d'amour, on peut citer les détails, les chiens, l'électricité, les ragots, la pâte à modeler, les papas, les oiseaux et le fait de pouvoir lire dans les pensées.
Sa pratique est propulsée par le désir et la volonté d'améliorer les formes de vie, même si ce n’est que par la danse.
Stina fait partie de la cohorte artistique de l'école chorégraphique Rose à Sadler's Wells, est membre du collectif féministe Samlingen et travaille en duo avec un chercheur en études urbaines. Elle a créé des œuvres sur commande pour des institutions telles que Cullberg, Norrdans et The National Touring Theater, et réalise et interprète plusieurs œuvres indépendantes.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Lise Fassier
Après une formation initiale au Conservatoire de La Rochelle, Lise devient danseuse interprète auprès de Claude Brumachon au CCN de Nantes, en 2001. Pendant quinze ans, elle interprète des œuvres marquantes du chorégraphe tout en menant des projets artistiques dans les écoles. Ses démarches de création, de recherche et de transmission s’inscrivent dans une dynamique de dialogue. Un projet avec des enfants en situation de handicap et des enfants valides l’amène à repenser la manière de voir les corps en mouvement et à envisager la danse comme un moyen d’agir. Ce projet nourrit son mémoire de recherche L’intention du geste, clé de voûte d’une rencontre improbable (Certificat d’Aptitude au CNSMD de Lyon en 2015).
En 2016, la transmission devient le cœur de son engagement artistique. Lise s’investit auprès des étudiants du Pont Supérieur, un établissement d’enseignement supérieur du spectacle vivant des Pays de la Loire. Aux côtés d’Ambra Senatore, elle explore le jeu comme potentiel créatif et envisage la danse comme espace de relation.
Elle promeut la danse à travers des projets artistiques et pédagogiques nomades, convaincue du potentiel du corps en action, comme révélation de son être au monde. Récemment, elle crée une unité d’enseignement en Éducation artistique et culturelle pour l’UFR Lettres et Langages de Nantes Université.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
Léa Vinette
D’abord formée au conservatoire de Nantes, puis de Lyon, Léa Vinette suit ensuite la formation en danse et chorégraphie à l’école d’arts supérieurs ArtEZ aux Pays-Bas de 2013 à 2017. Après ses études, Léa travaille avec différents chorégraphes (Liat Magnezy, Ido Batash, Michèle-Anne de Mey, et Rakesh Sukesh). En 2014, Léa rencontre Florence Augendre et son travail de fasciapulsologie appliquée à la danse. Cette pratique devient une vraie recherche physique et intellectuelle, et un outil important dans son propre travail de création. En 2020, Léa suit la formation à Charleroi Danse en danse et pratiques chorégraphiques avec notamment Mark Tompkins, Boris Charmatz, Lia Rodrigues, Nora Chipaumire. Elle se forme également durant plusieurs masterclass (Christos Papadopoulos, Maud Le Pladec, Cindy van Acker, Seydou Boro, Germaine Acogny). Elle est invitée pour un laboratoire avec Ambra Senatore en 2019. En 2021, Léa participe à la création Lilith de Marion Blondeau en tant que regard extérieur chorégraphique.
Depuis 2020, Léa développe son travail de chorégraphe sur les territoires de Nantes et de Bruxelles. Elle crée sa première pièce en novembre 2022, le solo Nox, au CCNN en co-réalisation avec la Soufflerie.
Léa allie une physicalité viscérale et charnelle avec une écriture sensible. C’est la nature crue et brutale de l’homme qui l’intéresse, son énergie parfois bouillonnante qui l’agite et le meut, entre émotions et raison. Pour exprimer cette vitalité et la beauté des contrastes, elle travaille avec des corps électriques, alertes, et spontanés.
Léa Vinette est artiste associée au Cndc Angers, artiste invitée au SEPT CENT QUATRE VINGT TROIS / Cie 29/27 à Nantes et accompagnée par le Grand Studio à Bruxelles.
Un partenariat Cndc-Angers, Within Practice et le CCNN dans le cadre de Solstice, Pôle International de Production et de Diffusion - Angers – Nantes en préfiguration.
LA RENTRÉE DES DANSEUR•EUSE•S PROS
Revenir progressivement à la danse après l’été. Retrouver l’ambiance conviviale et l'énergie du travail collectif. Le CCNN propose une rentrée en douceur avec un stage de cinq jours. Dirigé par des artistes venus de multiples horizons, cette reprise du danseur.euse offre une belle occasion de partage et d'inspiration mutuelle. Avec Yvann Alexandre, Vincent Blanc, Caroline Boussard, Lise Fassier et Wanjiru Kamuyu.
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La rentrée des danseur•eus•s s'ouvrira sur un temps, proposé par Vincent Blanc, pour faire se rencontrer la danse et le yoga. Mettre en mouvement la conscience pour une disponibilité du corps et du sensible.DE 9H30 À 10H30.
Reprise en douceur
Une matinée dédiée à l’écoute de nos sensations et de nos espaces intérieurs afin de remettre tranquillement en jeu nos fondamentaux : appuis, poids, projections, élasticité et imaginaires.
L’après-midi se voudra joyeuse et joueuse, pour construire des espaces de dialogue collectif par la dynamique de l’improvisation.
Cette journée croisera les multiples approches artistiques et pédagogiques que j’ai rencontrées en tant que danseuse, telle une filiation aux personnes inventives et bienveillantes rencontrées qui continuent à me porter.
Lise Fassier
Après une formation initiale au Conservatoire de La Rochelle, Lise devient danseuse interprète auprès de Claude Brumachon au CCN de Nantes, en 2001. Pendant quinze ans, elle interprète des œuvres marquantes du chorégraphe tout en menant des projets artistiques dans les écoles. Ses démarches de création, de recherche et de transmission s'inscrivent dans une dynamique de dialogue. Un projet avec des enfants en situation de handicap et des enfants valides l'amène à repenser la manière de voir les corps en mouvement et à envisager la danse comme un moyen d'agir. Ce projet nourrit son mémoire de recherche L’intention du geste, clé de voûte d’une rencontre improbable (Certificat d’Aptitude au CNSMD de Lyon en 2015).
En 2016, la transmission devient le cœur de son engagement artistique. Lise s'investit auprès des étudiants du Pont Supérieur, un établissement d’enseignement supérieur du spectacle vivant des Pays de la Loire. Aux côtés d’Ambra Senatore, elle explore le jeu comme potentiel créatif et envisage la danse comme espace de relation.
Elle promeut la danse à travers des projets artistiques et pédagogiques nomades, convaincue du potentiel du corps en action, comme révélation de son être au monde. Récemment, elle crée une unité d’enseignement en Éducation artistique et culturelle pour l'UFR Lettres et Langages de Nantes Université.
Nous entamerons cette matinée par une classe où l’imaginaire et le sensible se côtoient, se jouant des frontières entre le haut et le bas, entre l’action et le ressentir.
L’après-midi sera dédié à un temps d’exploration pour se mettre en lien avec soi et les autres.
Vincent Blanc
Originaire de Gap, Vincent Blanc rejoint l’École Supérieure de Danse de Cannes Rosella Hightower en 1993. En intégrant le Jeune Ballet International de Cannes, il travaille avec des chorégraphes tels que Monet Robier, Philippe Cohen et la compagnie Castafiore. En 1999, il intègre le Centre Chorégraphique National de Nantes pour la création de « Hôtel Central » de Claude Brumachon. Il y est interprète jusqu’en 2011, partageant cette esthétique avec divers publics. Actuellement danseur et responsable pédagogique au CCNN,il partage la conception avec Ambra Senatore des formats in situ à la frontière entre diffusion artistique, pédagogie et médiation. Sa pédagogie, centrée sur l’imaginaire et la sensation, valorise l’importance de la rencontre humaine. Parallèlement, il suit une formation à l'école française de Yoga de l'Ouest, explorant les synergies entre yoga et danse, ainsi que l’impact de l'attention au corps sensible et à la respiration dans le développement personnel et l’expression artistique.
Les cours de Gaga reposent sur une écoute profonde du corps et des sensations physiques. Les instructions sont déployées pour accroître la prise de conscience et amplifier les sensations, et plutôt que de passer d'une instruction à l'autre, les informations viennent s’ajouter les unes aux autres, élaborant ainsi un challenge physique, une expérience multisensorielle.
Bien que de nombreuses instructions sont imprégnées d'images riches, la recherche de Gaga est fondamentalement physique.
La combinaison de mouvements familiers à travers les tâches de Gaga présente les danseurs avec de nouveaux défis et, tout au long de la classe, les enseignants incitent les danseurs à visiter des sensations inexplorés. La classe sera suivie d’un temps de mise en pratique du language Gaga, en traversant l’univers artistique de chorégraphe israéliens, nourris de cette influence ou par le biais de l’improvisation.
— Caroline Boussard —
Caroline Boussard
Après des études au Conservatoire national supérieur de Paris, Caroline intègre la Batsheva Dance Company, où elle danse pendant dix ans sous la direction d'Ohad Naharin, avant d’en devenir répétitrice pendant une année.
Au sein de la compagnie, elle travaille également avec des chorégraphes tels que Yasmin Goder, Yossi Berg, Noa Zuk, Sharon Eyal et Mats Ek. En 2009, elle assiste Ohad Naharin dans la transmission de ses œuvres auprès de différentes compagnies internationales, et devient enseignante certifiée en Gaga. Parallèlement à son parcours artistique, elle étudie la méthode de thérapie d’Ilan Lev puis collabore de 2010 à 2016 aux projets de la troupe Maria Kong, à Tel Aviv.
De retour en 2013, elle continue d’enseigner le langage Gaga auprès d’étudiants en danse et d’amateurs de tous âges, partout en France. Caroline rejoint en 2020 l’équipe de Thomas Lebrun pour sa nouvelle création Mille et une danses pour 2021. Elle y rencontre Cécile Loyer et sera interprète pour sa nouvelle création Frappez fort (comme pour réveiller les morts)(2023-2024).
L’ancre du corps, l’encre des pas
Dans l'optique d'une ressource et d'une réactivation, et en prenant appui sur la matière de N.éon, création 2026, Yvann Alexandre propose un voyage au cœur de son univers.
Avec une pédagogie attentive et généreuse, le chorégraphe développe des outils pour aller à la rencontre de son écriture atypique faite de chemins articulaires, de sensations fines et de lignes précises.
Espace et autonomie sont convoqués dans un travail complet, alerte et technique, où la construction de la forme démarre par la sensation, en suivant le fil de son processus de création défini tel une calligraphie de l’intime.
Yvann Alexandre
Dès ses débuts, les moteurs de création d’Yvann Alexandre découlent de la rencontre humaine. Il démarre ses processus par la transmission, pour cheminer ensuite à l’écriture d’une œuvre. Avec un attachement particulier à l’écriture du mouvement et ce, avec fidélité à la notion de ligne, il s’est imposé comme le représentant d’une danse abstraite. Sa gestuelle très précise fourmille de détails et s’organise comme une calligraphie de l’intime. Il réalise sa première création en 1993 pour les Hivernales d’Avignon et Montpellier Danse. En plus de ses créations, présentées sur de nombreuses scènes et festivals prestigieux en France et à l’étranger, il est aussi l’invité d'Écoles d’enseignement supérieur en danse (Paris, Lyon, Québec) ou de compagnies prestigieuses (Nordwest Tanzcompagnie). Chevalier des Arts et des Lettres depuis juillet 2024, Yvann Alexandre est également Administrateur délégué à la Danse à la SACD. En parallèle de son travail de créateur, il porte également la direction artistique du Théâtre Francine Vasse à Nantes.
La classe visera à permettre aux danseur·euse·s professionnel·le·s d’explorer et d’approfondir leur sensibilité en tant que technicien·ne et artiste chorégraphe. Le mouvement enseigné développera l’intelligence et la conscience du corps et de l’esprit, en se concentrant sur une utilisation efficace de l’effort et de l’énergie. La prise de risque, la polyrythmie, la juxtaposition, le rapport au sol et l’usage de l’espace resteront essentiels. Sur une musique enregistrée, le cours proposera des exercices de respiration, d’équilibre, de flexibilité, d’endurance, de transfert de poids, d’amplitude du mouvement de la colonne et du bassin, et de renforcement musculaire via des séquences chorégraphiques. Plus élaborées, ces phrases permettront d'explorer des mouvements dynamiques et de les interpréter personnellement, en intégrant plusieurs techniques : modern (Dunham, Horton), release, ballet, danses d’Afrique et de sa diaspora, Butô, yoga. Le plaisir est au centre. Cet atelier constituera un espace convivial pour développer l’écoute corporelle, la confiance, et créer des danses impromptues à partir de jeux croisant théâtre, arts visuels, écriture, musique..
Les participant·e·s exploreront leur voix singulière, non seulement en tant que danseur·euse·s ou chorégraphes, mais aussi comme penseur·euse·s et critiques.
Wanjiru Kamuyu
Née à Nairobi et installée à Paris depuis 2007, elle débute sa carrière à New York, où elle explore la danse classique, avant de se tourner vers la danse contemporaine. Elle collabore en tant que danseuse avec de grands chorégraphes tels que Jawole Willa Jo Zollar, Robyn Orlin, Bill T. Jones, Bartabas, et Anne Collod. En tant que chorégraphe, elle s’associe à des artistes comme Bintou Dembélé et travaille avec des metteurs en scène tels que Jérôme Savary et Hassan H Kouyaté, ce dernier avec lequel elle mène des projets artistiques en faveur des réfugié•e•s. Titulaire d’un Master of Fine Arts de l’Université de Temple (États-Unis), Wanjiru Kamuyu s’investit également dans l’éducation et la formation de danseur·se·s à travers le monde — de l’Europe à l’Afrique, en passant par l’Amérique du Nord et l’Asie — notamment au sein de programmes tels que ceux de l’Alvin Ailey American Dance Theater/Fordham University et de la University of South Florida Dance in Paris.
Je m'engage dans ma sensibilité artistique en mettant en exergue les forces et les possibilités de la danse. La danse en tant que moyen de guérison est une plate-forme de transformation de soi et d’expression, allant au-delà des mots pour pénétrer dans les profondeurs du cœur et de l’âme. La danse donne vie à notre potentiel infini, offrant une fenêtre ouverte sur nos peurs, nos interrogations, nos désirs dissimulés dans nos pensées et notre esprit.
Pour les familles
L’atelier parents-enfants du CCNN continue à se déployer. Le principe est inchangé : l’enfant, accompagné par l’un de ses parents, découvre pas à pas, à son rythme, le mouvement. Venez expérimenter une expérience sensible et joyeuse avec des artistes, danseur·euse·s et chorégraphes aux univers variés.
Pour Les amateur•ice•s
Un week-end d'immersion, animé par Lise Fassier, pour expérimenter le dialogue entre danse et arts plastiques. Une occasion pour rencontrer des œuvres, les découvrir à travers le corps et créer à partir de cette interaction. Au cours de ce week-end, les participants exploreront divers médiums : le mouvement, le dessin et l’écriture, pour tracer un chemin sensible de créativité en dialogue avec le monde de l'art.
Pendant les vacances de la Toussaint, Lise Fassier propose aux 14–17 ans un stage mêlant danse, visites culturelles et création. Les participant·e·s explorent un parcours artistique riche, devenant tour à tour spectateur·rice, danseur·se et créateur·rice. Cette aventure collective se termine par une restitution ouverte au public.
En partenariat avec le musée d’arts de Nantes.
Images, mots, écoute, mouvements... Lise Fassier propose une nouvelle aventure : un voyage au cœur des sensations et des émotions. Suivez ses consignes et découvrez votre propre gestuelle avec douceur et complicité. Explorez divers états de corps et d'esprit pour révéler votre expressivité et ses nombreuses possibilités. Ensemble, créez une danse collective enrichie par la rencontre avec l'autre. Partagez vos ressentis à travers mots, dessins et collages… et repartez avec une trace tangible de ce voyage, à la fois personnel et collectif.